Réaliser un animatic à partir d'un storyboard IA

Un animatic est un storyboard auquel on a donné une horloge. Les images défilent dans l'ordre, chacune aussi longtemps que durera le plan, pour que vous sentiez le rythme avant que quoi que ce soit ne soit tourné ou animé pour de vrai. Personne n'attend qu'il soit joli. Il doit répondre à une seule question : cette histoire fonctionne-t-elle à cette vitesse ?

C'est donc peu coûteux à construire avec l'IA, car l'essentiel d'un animatic n'est pas du mouvement. Ce sont des images fixes maintenues à l'écran. Voici la version que nous ferions dans le studio en un après-midi, et les trois usages pour lesquels elle est faite.

À quoi sert un animatic

• Un pitch. Un client ou un producteur comprend une esquisse animée de trente secondes plus vite qu'un traitement de dix pages.
• Un contrôle du timing. Une blague qui réclame un temps de silence, une révélation qui arrive trop tôt : on ne les repère que lorsque les images tournent contre une horloge.
• Une validation. « Oui, c'est bien le film » est une décision qui ne coûte rien maintenant et beaucoup après le tournage. L'animatic, c'est ce que les gens signent.

Étape 1 : partir de quatre à six images fixes

Ne commencez pas par la vidéo. Commencez par le tableau : quatre à six images qui portent l'histoire du premier temps au dernier, une idée chacune. Si vous ne les avez pas encore, le guide des storyboards et moodboards montre comment générer un ensemble cohérent. Des images brouillon sur Still Lite, à partir de €0.30 pièce, suffisent largement ici. Refaites une image dès que le récit se lit mal, car une image fixe est ce qu'il y a de moins cher à jeter dans tout le travail.

Étape 2 : choisir la ou les deux images qui doivent bouger

Demandez-vous pour chaque image : l'histoire serait-elle plus faible si celle-ci restait figée ? La réponse est le plus souvent oui pour l'ouverture, parce que le mouvement installe l'ambiance, et pour le moment où l'histoire bascule. Tout le reste peut rester une image maintenue. Une image maintenue dans un pitch se lit comme une image maintenue dans le montage final, et personne n'y trouve à redire.

Animez ces images avec un modèle image vers vidéo : joignez l'image fixe comme image de départ et décrivez uniquement le mouvement. Le guide photo vers vidéo explique la mise en place, et le guide des prompts de mouvement liste les termes de caméra qui se comportent bien.

Gardez ces clips courts. 5 secondes sur Motion Turbo, à partir de €6.30, montrent comment un plan respirera. Des clips plus longs existent, jusqu'à 30 secondes sur certains modèles, mais plus le rendu est long, plus le mouvement peut s'écarter de l'image de départ. Si l'image contient des éléments qui ne doivent pas bouger, dites-le avec la méthode de ce qui ne doit pas changer.

Étape 3 : fixer le timing sur papier d'abord

Avant d'ouvrir un logiciel de montage, écrivez une ligne de timing pour chaque image : son numéro, sa durée, et ce qui se dit ou s'entend dessus. En secondes, pas en images. Une règle approximative qui marche pour la plupart des pièces courtes : un plan d'ensemble d'ouverture demande un peu plus de temps qu'un gros plan, parce que l'œil a plus à lire. Écrivez le total en bas. Si le chiffre ne convient pas à la durée dont vous disposez, vous avez trouvé le premier problème pour le prix d'un crayon.

Étape 4 : monter le tout dans votre propre logiciel

C'est ici que le studio s'arrête et que votre logiciel de montage commence. Téléchargez les images fixes et les clips, posez-les sur une timeline dans l'ordre du tableau, et réglez chaque image fixe sur la durée de votre ligne de timing. Placez les clips animés là où se trouvent leurs images. Ajoutez une voix témoin ou une musique provisoire que vous possédez déjà, puis jouez le tout d'un trait.

Étape 5 : modifier le tableau, pas le film

Maintenant l'animatic fait ses preuves. Un plan traîne : supprimez une image. La fin arrive trop vite : ajoutez une image maintenue. Un client n'aime pas la troisième image : générez une nouvelle image fixe et remplacez-la. Chacune de ces retouches prend quelques minutes et un petit rendu, là où le même changement après la production serait un retournage. Faites deux ou trois tours, et ne vous engagez dans la version coûteuse que lorsque l'histoire et le timing tiennent.

Si le film final doit être assemblé à partir de plusieurs clips cohérents, le guide de la vidéo plus longue prend le relais là où celui-ci s'arrête.

Ce que le studio ne fera pas ici

• Ce n'est pas un logiciel de montage. Il n'y a pas de timeline, pas moyen de fixer la durée d'une image, pas moyen de réunir des clips en un seul fichier. Le montage se fait à l'extérieur, dans un outil à vous.
• Il ne cale rien sur le son. Rien dans le studio n'aligne une image sur un temps de musique ou une réplique ; vous le faites dans votre logiciel de montage, sur votre propre piste.
• Le mouvement peut dériver. Visages, mains et petits objets se déplacent pendant un clip, et une image clé peut revenir animée d'une façon que vous n'avez pas demandée. Gardez les clips courts, vérifiez en taille réelle et relancez.
• Chaque rendu est un travail distinct. Quatre images fixes et deux clips font six rendus, chacun avec son prix affiché sur le bouton Générer avant que vous confirmiez.

Quand le tableau est prêt, parcourez les modèles pour trouver un modèle image vers vidéo qui accepte une image de départ, puis ouvrez le studio et animez d'abord votre image d'ouverture.